エレキギターは、科学技術の発展によって生まれた製品です。世界初のエレキギターが登場してから、半世紀以上が経ち、無数のロックギターマスターを生み出しました。それは人類の音楽史に革命をもたらし、ロックミュージックの誕生につながりました！
エレキギターの独特な演奏芸術は、現代の電子技術と融合し、音楽性と音響効果を組み合わせたエレキギターミュージックを創造し、多彩で様々な種類のロックミュージックを生み出しています。ロックエレキギターは、人類の知恵と創造性を凝縮し、人々の無限の想像力を反映し、世代を超えて情熱を刺激します。それは人類の知恵と結晶です。それでは、エレキギターはどのようにして発明されたのでしょうか？
1. エレキギターの発明
ギターはすでにカントリーフォーク、ジャズ、クラシック音楽において不可欠で代替不可能な楽器となっています。しかし、アコースティックギター自体の音量は非常に小さいため、大規模なコンサートや他の楽器との協力では、その利点を十分に発揮することができませんでした。このため、ギターは長い間、自身のエンターテイメントや小規模な音楽サロンの場での使用に限られていました。
ギターと他の楽器の融合は非常に良好ですが、音量の問題が常に人々を悩ませ、解決が難しい課題となっていました。1920年、ある人がこの制約を突破するために、ホローアコースティックギターにさまざまなピックアップを取り付ける方法を試みました。アメリカのPowe-Deamond社は、ますます人気が高まるカントリーミュージック市場に注目し、世界初の本格的なアコースティックギターピックアップを開発しました。これは、ギターのサウンドホールの近くに取り付けられる小型の装置で、ギターの音を増幅するためのものでした。これにより、大規模な場で他の楽器と協力できなかったギターは、ついに自分の場所を得ることができました。
1935年、アメリカのギブソン（Gibson）社は、世界初の本格的なエレキギターを開発し、そのモデルを「ES-150」と名付けました。これは、fホールを備えたホローエレキギターであり、この製品に敬意を表してDJP 1000エレキギターが製作されました。
しかし、ホローエレキギターには比較的大きなフィードバック音の問題がありました。1948年、ラジオを修理していたフェンダー（Fender）と、エレクトリックハワイアンギター会社の従業員であったカオフマンが協力して「K&F」という会社を設立し、世界初のソリッドエレキギターを市場に投入しました。これはギブソン社よりも2年早く登場しました。その後、フェンダーは自身の会社を設立し、自分の名前を冠した「Fender」エレキギターを発売しました。それ以来、エレキギターの歴史が書き換えられ、ギブソン社と並ぶ有名ブランドとなりました。
フィードバックの問題は無駄ではありません。ステージ上で音量を上げ続けたいギタリストたちにとって、ギターの音量を最大にしてもまだ十分ではなく、エレキギタースピーカーの音量も最大にして、非常に強い歪みを生じさせます。これがヘビーメタルロックの始まりでした。当時、ヘビーメタルを演奏していたプレイヤーたちは、ソリッドエレキギターに熱心ではありませんでした。しかし、ソリッドボディエレキギターを使用することでフィードバックなしに歪みを増加させることができることが発見されるまで、その後、偉大なヘビーメタル音楽がこの世界に登場しました。
1951年、ソリッドエレキギターから3年遅れて登場しました。これにより、ロックバンドはよりリアルで大きな音響効果を持ち、本格的なロックミュージックが世界に広まりました。
2. エレキギターの構造
エレキギターの構造は、次の3つのキャンプに分けることができます。
(1) ボルトオンタイプ
ネックは4本のネジでボディに固定されており、一部のネックはヘッドとネックが一体化されていますが、一部は分離しています。このタイプのエレキギターはフェンダーがクラシックであり、そのマスターはフェンダーです。
(2) セットインタイプ
ネックは接着剤でボディに接着されており、ヘッドとネックはほとんどが一体化しています。このタイプのエレキギターはギブソンがクラシックであり、そのマスターはギブソンです。
(3) スルーネックタイプ
ヘッドストックからネックはボトムに接続されており、ボディには2つの木片がそれを挟んでしっかりと固定されています。このタイプのエレキギターはESPやCarvinがクラシックであり、そのマスターはレス・ポールです。
3つのキャンプで使用されるデザイン方法と素材は異なり、それぞれ異なる音色を持つことを決定します。
(1) ボディの主な素材はポプラです
ポプラの音の伝達効果は非常に透明であり、これはフェンダーエレキギターの音色の基盤です。
(2) ボディの主な素材はマホガニーです
マホガニーの音の伝達効果は比較的抑制されており、深みがありますが、メープルウッドの音の伝達効果は厚みがあり、暖かいです。これはギブソンギターの力強く寛大な音色の基盤です。
(3) 合成素材または雑多な素材
これは後に「新しいストリートボーイズ」が特別なスタイルと混合音色を追求するための製品です。彼らは購入力が低く、音色にこだわりはなく、さまざまな奇妙なエレキギタースタイルとカラーを追求します。このようなギターは、圧縮木板や材料板で構成されています。
エレキギターピックアップの観点からも、3つのキャンプは異なります。
(1) アクティブエレクトロマグネティックピックアップ
これはフェンダーギターが一貫して使用しているものです。このタイプのピックアップは、ラジオ技術に詳しいフェンダーによって発明されました。このピックアップによって生成される音色はシャープで鋭いです。
(2) パッシブキャパシタンスインダクションピックアップ
これは、ギブソンが伝統的なスタイルを守り続けているものです。このタイプのピックアップによって生成される音色は寛大で丸みがあります。
(3) ハイブリッドピックアップ
これは、個性を追求するが資金が少ない「新しいストリートボーイ」を満足させるために設計され、特に「ピックアップが多ければ多いほど良い」と考える初心者に人気があります。エレクトロマグネティックピックアップとインダクティブピックアップがエレキギターに混在しており、音色の変化が多いですが、すべての音色が純粋であるわけではありません。
最も古いリュートからクラシックギターやフォークギター、ホローボックスやセミホローボックスからソリッドエレキギターへと、長い歴史の変遷が、クラシックギターとフォークギター、そしてエレキギター自体の技術要素を決定しました。クラシックギターやフォークギターを演奏しない場合でも、エレキギターの技術要素と内容を含んでいるため、フォークギターを学ばずに直接エレキギターを始めることができます。
3. エレキギターの学習
ロックエレキギターの学習方法について、技術、基礎技術、音楽理論の知識、演奏学習、実践技術の5つの側面からお話しします。
1. 技術練習
技術は身体がスポーツに参加する能力です。エレキギターを演奏する場合、指の技術を指します。これは、指の持久力、正確性、柔軟性などの筋肉と神経系の能力を含みます。ピアノ演奏が得意な人々の指の技術は優れており、それは長期間の練習の結果です。
指の技術練習は、長時間続ける必要があり、疲れやすい運動です。長距離走者が全行程を一息に走らなければならないのと同様に、途中で断続的に走るのではなく、練習の要求は厳しいものであり、時には残酷です。多くの偉大なギタリストの演奏から、強力な機械的練習の明確な痕跡を感じることができます。彼らの作品を演奏するとき、私たちは思い通りにいかないことがありますが、その理由は技術の欠如ではなく、指の技術の欠如です。
「少しずつ、散発的な練習が最も効果的だ」という考えは信じないでください。この考えは、完璧な技術とスキルを持つマスターに適しているかもしれませんが、技術が不足している練習者には適していません。各練習は40分、1時間、2時間以上続ける必要があり、指の技術の最大限を超える必要があります。それによって技術が向上します。
2. 基礎技術の練習
左手の4本の指と右手のピックを使用して、6本の弦の異なる段階でさまざまな音楽スタイルを演奏することを想像してください。それが遅くて叙情的であれ、風のように速いものであれ、基礎技術なしでは不可能です。
基礎技術に言及すると、多くの人は指の練習を思い浮かべます。実際には、基礎技術は指の練習だけではありません。指の練習は基礎技術の一部に過ぎません。さまざまな指の練習やクロマチックスケールの練習に加えて、基礎技術の練習には多くの内容があります。例えば、スケールの練習、インターバルの練習、コードの練習、一部の小節の演奏、左手と右手の協調、スキルの取り扱い能力、さまざまな一般的なスキルの方法、他の人との協力能力と経験などです。
優れたギタリストになるためには、大量で秩序立った、持続的な基礎技術の練習が不可欠です。技術には限界がありますが、音楽には限界がありません。最良の練習方法は、1日または数日で1つを練習することであり、数時間でいくつかを練習することではありません。私たちが練習しているのは問題を解決することであり、すべての問題を取り出して1日に数回閲覧することではありません。
3. 音楽理論の学習
音楽理論の学習は非常に重要です。その重要性の割合をリストアップする必要があるならば、それはすべての学習内容の半分を占めるでしょう。長年の教育経験が教えてくれるのは、優れたエレキギターの学生を育てる過程で、もし学生の音楽理論が非常に優れていれば、学習プロセス全体が非常にスムーズであり、パフォーマンスの状態、感覚、進歩、レベルも優れているということです。逆に、一部のスキルがあり、感覚が優れている学生であっても、音楽理論を十分にマスターしていないため、学習には非常に多くの時間と労力がかかります。特に、一見スキルが優れていて多くのことを演奏できる学生の場合、音楽理論の知識が不足しているため、教えるのがより困難になります。体系的に音楽理論の知識を学んでもらいたいのに、数回の授業時間で彼はすでにイライラしています。
エレキギターの学習における最悪の状況は、技術と音楽理論の知識の断絶、技術と音楽表現の断絶です。このような不均衡な発展はかなりの欠陥を引き起こし、この欠陥は時間が経つにつれて広がります。たとえば、各フロアを建てるたびに1つのレンガを失う場合、10階以上を建てると大きな亀裂が生じ、それを修復するのは困難です。
ロックエレキギタリストは、楽譜の読譜、視唱、視覚的な音楽聴取、ハーモニー、作曲などの能力を強化する必要があります。これらの能力は知識というよりも、音楽を感じる方法、音楽を理解し、音楽をうまく作る方法です。音程や音の感覚を知らない人が、それをうまく演奏できるとは想像しにくいです。このような状況は現実には数多く存在します。例えば、ヴァイオリニストに「このメロディーを演奏できるが、音程がわからない」と言えば、ヴァイオリニストは呆然とし、理解し難いと感じるでしょう。
4. 演奏学習
ある程度の基礎技術と一般的な技術や楽譜の知識を身につけたら、エレキギターの演奏を段階的に学び始めることができます。
演奏学習には計画が必要です。最良の方法は、合理的な計画を立て、簡単なものから難しいものへと段階的に進めることです。
この段階で、現在の状況に適しており、実用的な価値があるエチュードや作品を選ぶことが非常に重要です。現在、多くのエレキギター教則本が存在しており、選択の重要性を示しています。練習の結果として、いくつかの曲やフレーズを盲目的に練習することは、応用能力にあまり役立ちませんが、単に演奏回数を増やすだけです。一部の友人は外国のものを盲目的に崇拝し、さらには外国の音楽を演奏しないほど極端です。これらのことを弁証法的な態度で理解することが重要です。一方では、優れた外国のものがある一方で、たくさんのカスやゴミもあります。もう一方では、多くの優れた外国のものが学ぶ価値があり、学び取るべきものである一方で、私たちの国の国情や文化的背景に適していないものもたくさんあります。「持ち込むこと」と自己満足は間違っています。
エチュードは、技術と音楽の内的な関係を理解し、マスターするのに役立つ優れた方法ですが、この方法は万能薬ではありません。現実には、多くのエチュードを演奏してもまだ練習ができないという例があります。これは、練習と実践にはまだいくつかのギャップがあり、これらのギャップは練習で縮小し、埋める必要があります。
もう1つ指摘する必要があるのは、コピーは両刃の剣であるということです。単にある曲を非常に似ているように演奏するだけでは、それほどの価値や効果はありません。他人のものをコピーすることは、その技術や方法を学ぶための手段に過ぎません。考えて分析し、その魅力を理解し、実践と創造に応用するためです。ロックエレキギタリストを評価する基準は、誰かに似た演奏をするかどうか、あるいはどれだけ速く演奏できるかではなく、総合的な能力と知識レベルです。
5. 実践スキルの学習
ロックエレキギターは実践的な芸術であり、その究極の目標はバンドとの協力とバンドの中心になることです。したがって、実践スキルの学習はエレキギターコースにおいて非常に重要な内容です。
実践スキルの核心内容は、他者との協力における経験を積み、自身の協力能力を高めることです。これには伴奏、ソロ、即興演奏などが含まれます。最良の方法は、アンサンブルで演奏することです。フルバンドで演奏することで、この練習はコースの最後に配置するのではなく、学習の最初から最後まで学習プロセス全体に渡って行われるべきです。これは、レベルの向上とスキルの充実に伴い、徐々に成熟していくべきです。
アンサンブルとアンサンブルは、協力能力を習得するための効果的な方法です。他者との協力で、音楽全体をよりよく理解し、感じることができます。私たちが知っているように、多くのギターソロとギター伴奏は音楽全体の一部に過ぎません。学習時には、部分的に行われることが多く、音楽の全体的な感じや効果は他者との協力で検証する必要があります。しばしば、このフレーズを自分で演奏すると非常に熟練しているが、アンサンブルではまだ多くの問題があります。例えば、リズムが不安定で、難しいフレーズがリズム感を失い、ハーモニーとメロディーの関係が調和していないなど、これらは単独で練習していると気づかれないことがあります。
アンサンブルやアンサンブルに参加する際は、固定のパートナーを持つことが最善です。経験が浅いうちはアンサンブルパートナーを頻繁に変更しないでください。バンドとの協力でも同じことが言えます。バンドメンバー間の慣らし運転は非常に重要です。パートナーを頻繁に変更すると、それは慣らし運転期間にあることと同じであり、慣らし運転の時間が無限に延長されます。
即興の伴奏とソロは、ロックエレキギタリストが長い間蓄積し探求する必要があるものであり、これは総合的な能力の表れであり、部分的な問題ではありません。私たちが自由に文章を書くことができるのは、大量の語彙を蓄積しているだけでなく、テーマや命題が必要であり、それには理解力、組織力、数多くのアイデアが必要です。そして、何度も試行錯誤しながら、いくつかの執筆方法を徐々に習得します。音楽は音楽言語であり、即興演奏中に蓄積が不完全であれば、経験不足や表現力の障害がすべてパフォーマンス能力に影響を与えます。
蓄積は量だけでなく、感覚と経験にあります。問題は、多くの人が演奏中にこの点を無視していることです。ある人は練習中に楽譜を一度も覚えず、ただ盲目的に楽譜を見て演奏するだけです！これは非常に悪いことです。想像してみてください。もしあなたがソロ楽譜の一部さえ覚えられないなら、演奏中にそれをうまく経験し感じることができるでしょうか？
「仮想練習」は、編集者が考える良い方法です。いわゆる「仮想練習」とは、エレキギターを使わずに想像を通じて演奏することです！最初に楽譜を覚え、次に想像を通じて演奏します。メロディーの音響効果とともに、楽譜、指使い、具体的な演奏位置が想像の中で浮かび上がります。ギターを手に持っていないため、仮想演奏ではより完璧に効果を想像することができ、これは完全に内側から外側への演奏プロセスです。楽譜から指へのプロセスではなく、あなたの内的な感覚、内的な表現力、音楽の想像力、そしてスキルの把握能力が大幅に向上します。実際には、多くの優れたフレーズや即興フレーズは最初に想像から始まり、その後、実際の演奏で演奏されます。
音楽は仮想であり、まず仮想の想像から始まり、楽器を使って実際の音に変わります。このプロセスには、すべてのスキルとアイデアが含まれており、巨大な想像力と創造性を引き出します。楽譜、音符、リズム、そして技術は、この想像を記録するための記号と方法にすぎません。この「思考ベース」の演奏方法が、ロックエレキギターの演奏の最高の状態です。
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